¿Qué es un plano secuencia? Análisis de los 20 más impactantes 5.00/5 (100.00%) 10 votes

El plano secuencia es una de las técnicas cinematográficas más complejas y espectaculares que podemos encontrar en una película. Exige una gran planificación y sincronización entre casi todos los miembros de un equipo de rodaje: desde el director hasta el operador de cámara, los actores, el director de fotografía, los técnicos de sonido… En este articulo vamos a definir qué es un plano secuencia, la evolución tecnológica que ha permitido perfeccionar su utilización, y los más famosos de la historia del cine. Por último, a modo de curiosidad, hablaremos de algunas películas rodadas (de forma real ó solo aparente) en una sola secuencia.

Definición. ¿Qué es un plano secuencia?

Antes de tratar de comprender qué es un plano secuencia, tenemos que definir qué es un plano y qué es una secuencia:

  • El plano es la unidad mínima del lenguaje audiovisual. Desde un punto de vista temporal, podríamos decir que es todo aquello que capta la cámara desde que la grabación comienza hasta que termina (o sea, aquello comprendido entre dos cortes). En cuanto a nivel espacial, nos referimos por plano al propio contenido de la toma, o sea, la imagen que vemos en cada uno de los fotogramas.
  • La secuencia es una escena o conjunto de escenas que conforman por sí solas una unidad narrativa diferenciada, con planteamiento, nudo y desenlace.

Cuando he intentado buscar una definición formal de plano secuencia, me ha sorprendido comprobar la disparidad de criterios que existen, a cada cual más filosófico y profundo. Saliendo un poco del recurso típico para estos casos (Wikipedia), he encontrado una profunda y extensa (762 páginas!) Tesis Doctoral titulada La poética del plano-secuencia: análisis de la enunciación fílmica en continuidad altamente recomendable. En ella, el autor rescata diversas definiciones históricas de plano secuencia, las discute, y finalmente propone una:

Unidad estructural en continuidad que integra, en términos de equivalencia durativa, un plano, como organización formal del discurso, y una secuencia, como componente básico del contenido.
Mario Rajas Fernández, Universidad Rey Juan Carlos

 

En el lenguaje cotidiano, cuando vemos una toma en cine o televisión relativamente larga y sin cortes, tendemos a llamarla plano secuencia; sin embargo, esto es un error, ya que siendo estrictos, sólo deberíamos darle esa denominación si lo que se nos cuenta en esa toma tiene el planteamiento, nudo y desenlace requeridos por el concepto de secuencia. En el caso de que no sea así, es más correcto denominarla toma larga. Sin embargo, en este post no vamos a hacer esta diferenciación cuando hagamos un repaso de los más famosos de la historia del cine: sean tomas largas o planos secuencia, serán denominados como estos últimos.

Evolución tecnológica del plano secuencia: de la cámara fija a la Steadicam

El cine es la evolución tecnológica natural de la fotografía fija, invento de mediados del siglo XIX. Podemos decir que los hermanos Lumiere (hijos de fotógrafo) son los padres del cine ya que en el año 1895 crearon el cinematógrafo; se trataba de un dispositivo que permitía la toma continua de imágenes, su posterior proyección, e incluso su copiado.

La primera proyección comercial la realizan el 28 de diciembre de 1895 en París. Fueron 10 piezas de menos de un minuto de duración, de carácter eminentemente documental, en las que los Lumiere grabaron escenas cotidianas de la sociedad. La más famosa es sin duda la titulada La llegada del tren a la estación de La Ciotat, en la que muestran un tren llegando a la estación, pasando muy cerca de la cámara. El efecto de ver ese tren acercándose fue tan impactante para la audiencia que muchos se levantaron despavoridos pensando que el tren iba a atropellarles.

Cuando los hermano Lumiere se dan cuenta del increíble potencial que tiene su invento, dan un paso más, abandonando el documental y rodando la primera película (corto) de ficción: El regador regado:

En los primeros años de vida del cine, la mera captación y posterior reproducción de imágenes era suficiente para creadores y audiencia, ya que el hecho de asistir al espectáculo de la proyección era más importante que el propio contenido proyectado. Sin embargo, con el transcurso del tiempo, el público comienza a asimilar el nuevo medio, por lo que los creadores se ven empujados a innovar, buscando técnicas narrativas más complejas. Esta evolución en las técnicas de narración se apoyan en diversas mejoras técnicas.

Como se ha podido comprobar en los dos cortos de los Lumiere, en los principios del cine el encuadre era fijo, estando la cámara situada en un lugar ideal, equiparable al centro de una audiencia teatral. La primera aproximación al “movimiento” de cámara fue mediante el montaje: intercalando diversos planos fijos, el espectador aprecia cierta sensación de movilidad en la cámara (por ejemplo, la estructura campo-contracampo, en la que vemos a un sujeto mirando, y en el siguiente plano, aquello que está mirando).

El primer movimiento básico de una cámara de cine fue el de rotación horizontal sobre su eje, mediante el uso de trípodes, también conocido como panorámica. Gracias a esta innovación se puede abarcar un ángulo de campo mayor desde una posición fija, sin necesidad de desplazar el dispositivo. Pocos años después se consigue eliminar la limitación de movimiento horizontal introduciendo cabezas móviles en los trípodes, consiguiendo realizar panorámicas verticales.

Evolución tecnológica en el plano secuencia: DollyA principio de la década de 1910 aparecen los denominados dolly: dispositivos móviles sobre ruedas que soportan la cámara, el operador, e incluso a algún miembro más del equipo de rodaje, como algún auxiliar de fotografía. Estos dollies se mueven sobre sus propias ruedas o apoyados en raíles, para conseguir una mayor estabilidad. Con la introducción de este artilugio, al fin la cámara deja de estar anclada en una posición fija, obligada a captar la acción desde una única perspectiva. Se introduce pues el concepto de travelling o traslación de la cámara por un espacio dado, ofreciendo una mayor capacidad creativa a los directores, y una mayor sensación de inmersión al público.

Evolución tecnológica en el plano secuencia: CraneHasta la década de 1930 no llega la siguiente gran aportación tecnológica a la movilidad de los dispositivos de captación de imágenes: los crane. Se tratan de una versión mejorada de las dolly: partiendo de una de ellas, se le une un brazo largo y flexible, al final del cual aparece una plataforma en la que se sitúan el operador de cámara y, opcionalmente, un auxiliar. Con este artilugio, ya no queda ningún movimiento que no pueda ser realizable, ya que permite a la cámara rotar, desplazarse de derecha a izquierda y/ó de arriba abajo, moverse en círculo o diagonalmente. Todas estas bondades la convierten en una herramienta imprescindible en cualquier rodaje de la época.

Hasta principio de la década de 1950 no encontramos otra de las grandes aportaciones tecnológicas a la movilidad de las imágenes: el zoom o travelling óptico, que permite un recorrido visual en profundidad (alejando o acercando la imagen) manteniendo la cámara fija. Podríamos decir que se trata de un sistema un tanto “antinatural”, ya que el ojo humano no permite realizar una accion semejante, al contrario de lo que ocurre con el travelling. Sin embargo, es un recurso que se comienza a utilizar de forma amplia.

Durante los años 60 resurge el uso de la técnica de cámara en mano o cámara al hombro. Evidentemente, no es una nueva técnica ni un avance tecnológico como tal, aunque viene favorecido de forma tangencial por la evolución de las cámaras, ya que al aligerar su peso y simplificar su funcionamiento se posibilita que el operador pueda cogerla y desplazarse con ella. Este movimiento del operador se va a traducir en agitación de la imagen, brusquedad en los desplazamientos y otras sacudidas que van a ser percibidas por el espectador, por lo que su uso está inicialmente pensado para escenas en las que se quiera transmitir tensión, miedo, incertidumbre, etc. Sin embargo, en la década de los 70, el operador de cámara Garrett Brown revolucionará la técnica de cámara en mano con la Steadicam, invento que permitirá la realización de planos secuencia aglutinando las ventajas del travelling (suavidad en la toma de imágenes) y las de la cámara en mano (flexibilidad de movimientos de la cámara).

Steadicam: Garrett Brown revoluciona el plano secuencia

Garrett Brown es un operador de cámara e inventor americano que hizo una de las mayores aportaciones tecnológicas al mundo del cine, al menos desde el punto de vista de los creadores. Como acabamos de comentar, la paulatina disminución del tamaño y el peso de las cámaras permiten el uso de la técnica de grabación con cámara en mano, aunque su uso es muy restringido debido a la incomodidad que puede producir en el espectador movimientos tan bruscos. Durante años, Brown trató de minimizar o eliminar todas las sacudidas que el movimiento del operador trasladaba de forma directa a la imagen.

Revolución en el plano secuencia: SteadicamSteadicam es realmente el nombre comercial que recibió el primer estabilizador de cámara. El concepto que buscó Brown fue el siguiente: el principal problema de grabar con una cámara en la mano es que todas las vibraciones y movimientos del operador se trasladan a la imagen, ya que el centro de gravedad del sistema se encuentra en la unión entre la mano y la cámara. ¿Sería posible desplazar de forma artificial el centro de gravedad, y situarlo fuera de la cámara? Si esto se consigue, la mayor parte de las vibraciones indeseadas serán absorbidas, por lo que el movimiento de la imagen será fluido. ¿Cómo se consigue sacar el centro de gravedad fuera de la cámara? Básicamente, con un sistema de contrapesos. Resumiendo mucho, colocando en el extremo de un mástil la cámara, y en el otro extremo, un contrapeso. De esta forma, el centro de gravedad pasa a localizarse en el centro del mástil. Opcionalmente, se puede utilizar una especia de chaleco con un brazo articulado que agarre el mástil por el centro, con lo que se consigue que el esfuerzo del operador se haga desde las caderas en lugar de sus propios brazos. Aquí se puede ver un pequeño reportaje, con entrevista a Garrett Brown incluida, donde se cuenta algún detalle curioso más sobre las Steadicam:

Cuando Brown muestra las bondades de su invento, los directores de cine quedan impresionados. Ahora es posible realizar tomas largas sin corte, a un precio reducido (no olvidemos que realizar un travelling es algo relativamente caro por la estructura que se debe montar, y el tiempo que se emplea en ello) y con una flexibilidad casi infinita, ya que un operador puede pasar por lugares donde no lo puede hacer un dolly o un crane. La primera escena de la historia rodada con una Steadicam fue en la película Esta tierra es mi tierra, protagonizada por David Carradine, en 1976. Fue esta:

El impacto fue tremendo. Parece que la cámara va levitando entre la gente; la sensación de inmersión conseguida no tiene precedentes. Nos sentimos más que nunca como el protagonista paseando entre la multitud. Esta tierra es mi tierra consiguió el Oscar a la mejor Fotografía, y nadie duda de que fue gracias a la aportación de Brown.

Una de las primeras películas que utilizaron la Steadicam fue Rocky, también en 1976. La icónica escena en la que Stallone sube las escaleras del Museo de Arte de Filadelfia fue posible gracias a ella:

Pensemos que sin el estabilizador de cámara, la subida de las escaleras por parte del operador habría provocado movimientos bruscos en la imagen, mientras que montar una estructura que pudiera subir las escaleras diagonalmente para conseguir una transición suave habría sido muy caro.

Podríamos decir que el primer gran director con mayúsculas en utilizar la Steadicam fue Stanley Kubrick, que quedó fascinado con el invento, y que no dudó en utilizarlo en varias escenas de su siguiente película, El resplandor, de 1980. En la siguiente sección, cuando destaquemos los mejores planos secuencia de la historia, veremos algunas de estas escenas.

Los mejores planos secuencia de la historia del cine

A continuación presento los que a mi modesto entender son los mejores planos secuencia de la historia del cine, aunque me he visto obligado a dejar muchos otros fuera para no hacer el post interminable. El listado se presenta por orden cronológico, desde los más antiguos a los más actuales.

Senderos de gloria (1957)

Senderos de gloria es una de mis películas favoritas de Stanley Kubrick. Se trata de uno de los mayores alegatos antibelicistas de la historia del cine, poniendo el foco en una trinchera del ejército francés durante la I Guerra Mundial. Kubrick aprovecha el estrecho corredor que define la trinchera para rodar algunos planos secuencia que pasarán a la historia. He decidido destacar dos: por un lado, la primera secuencia de la película, en la que un general va pasando revista a las tropas, tratando de ser cercano con ellos y de motivarles para la batalla:

Senderos de gloria
Póster de Senderos de gloria

Por otro lado, no estamos ante un plano secuencia estrictamente hablando, ya que se trata más bien de una sucesión de tomas largas en las que se alternan los puntos de vista de primera y tercera persona (frontal) de Kirk Douglas, recorriendo la trinchera hasta el momento en el que se va a iniciar la ofensiva contra el ejército alemán, punto clave en el desarrollo de los acontecimientos de la película.

Senderos de gloria
Póster de Senderos de gloria

Sed de mal (1958)

Creo que no me equivoco si aseguro que si a un aficionado al cine le preguntan por el primer plano secuencia que se le venga a la cabeza, muchos recordarán el de Sed de mal. Posiblemente sea el más famoso de la historia, y sin duda, mi favorito. Estamos ante 3 minutos de un fantástico derroche de planificación por parte de su director, Orson Welles. Es la escena inicial de la película, y nos va a enganchar desde el primer segundo, ya que lo primero que vemos es a un individuo poniendo una bomba con temporizador en el maletero de un coche.  La cámara seguirá durante unos instantes al vehículo; cuando éste salga del plano, se nos presentará al protagonista, interpretado por Charlton Heston, que va paseando junto a su pareja en la misma dirección que el coche. Éste entra y sale del plano, lo que genera tensión en el espectador, ya que durante varios instantes aparece a la misma altura que Heston; además, la elección de la banda sonora es perfecta ya que contiene un tic-tac de fondo que recuerda que la bomba explotará de un momento a otro.

Este plano secuencia tiene un par de curiosidades dignas de ser recordadas:

  • Welles se gastó el presupuesto total de la película en rodar estos 3 minutos, ya que se necesitaron 15 días de preparación y ensayos, y la construcción de un gran decorado.
  • Los productores obligaron a presentar los títulos de crédito de la película durante esta secuencia. Este hecho enfureció al director ya que opinaba (y con razón), que después del tremendo esfuerzo requerido para rodarla, la presencia de los créditos distorsionaba la atención del espectador. Años después, cuando se edita la “Versión del Director” de la cinta, se respeta el deseo original de Welles, eliminando los créditos.
Sed de mal
Póster de Sed de mal

Soy Cuba (1964)

Soy Cuba es una curiosa y hasta hace pocos años desconocida película que surgió de la colaboración entre Cuba y Rusia con la intención de ser una vía de propaganda del comunismo. Tras el triunfo de la Revolución Cubana y las tensiones crecientes entre Cuba y EEUU debido a episodios como el de la Crisis de los misiles, el gobierno revolucionario de Castro pide ayuda a su equivalente ruso en diversos frentes. En el terreno audiovisual, los rusos envían al experimentado director Mijail Kalatozov para rodar una película que sirviera como crítica del anterior gobierno del dictador Batista, y resaltara las bondades del de Castro. Al parecer, la película no terminó de gustar ni a los cubanos (pensaban que los personajes estaban excesivamente esteriotipados) ni a los rusos (opinaban que era demasiado fría), por lo que durante años cayó en el olvido. Sin embargo, en la década de los 90 fue descubierta y encumbrada por directores como Scorsese o Coppola, quienes quedaron maravillados por los planos secuencia y la compleja técnica utilizada durante el rodaje. Voy a destacar el que me parece más espectacular: presenciamos un funeral en la calle, en el que vemos participando a miles de extras, y observamos maravillados como la cámara es capaz de empezar a ras de suelo, levitar hasta una ventana, flotar entre los edificios, y seguir el camino que traza el ataúd por las calles de La Habana. Un prodigio técnico teniendo en cuenta que la película es de 1964.

Por cierto, en este blog ya hemos hablado de cómo ha tratado el cine y el documental la Crisis de los misiles de Cuba, conflicto que estuvo apunto de provocar una guerra nuclear:

Trece dias |Pelicula| – Crisis de los misiles de Cuba

 

Soy Cuba
Póster de Soy Cuba

El resplandor (1980)

Como ya comentamos en la introducción al presentar la Steadicam, considero que el primer gran director que se anima a utilizarla es Kubrick, en su hipnótica obra El resplandor, en el año 1980. Podemos encontrar diversas tomas rodadas con el invento de Garrett Brown. Por un lado, el seguimiento que la cámara hace del niño cuando éste se da largos paseos por el hotel vacio con su bicicleta:

El resplandor
Póster de El resplandor

Y por otro, más complejo y espectacular si cabe, cuando Jack Nicholson persigue a su hijo por el laberinto:

El resplandor
Póster de El resplandor

Nacional III (1982)

No podía omitir al máximo representante del plano secuencia en España. Luis García Berlanga hizo de esta técnica su sello de identidad, utilizándola en gran parte de su filmografía. Me he decidido por destacar el que encontramos en Nacional III, cinta que cierra la trilogía de la familia Leguineche (iniciada con La escopeta nacional y continuada con Patrimonio nacional), ya que es seguramente el más complejo técnicamente hablando de los que rodó. La acción se centra en una estación de trenes, donde Berlanga se las arregla para dar cabida a más de 200 figurantes mientras Jose Luis López Vázquez es transportado hacia el tren que le servirá como escapatoria.

Nacional III
Póster de Nacional III

Sacrificio (1986)

Son varios los casos analizados en los que el plano secuencia es el recurso utilizado por el director para arrancar la cinta, con la intención de presentarnos a un personaje, un acontecimiento o escenario que acabará siendo importante durante el transcurso de la película. En Sacrificio, esta técnica es de la que se sirve Andrei Tarkovski para cerrar el film (y en consecuencia, su filmografía, ya que moriría pocos meses después de su estreno). La complejidad del plano es máxima: estamos ante casi 6 minutos de plano contínuo en exteriores, incluyendo el incendio real de una casa como elemento central (en el año 1986 los efectos digitales no daban para simularlo), cuyo derrumbe pone punto y final al plano. Como es sencillo de comprender, el rodaje de esta escena debía hacerse en un solo intento por motivos evidentes (la destrucción de la casa). Sin embargo, la cámara falló, por lo que en un principio tuvo que descartarse el rodaje del final de la película tal y como Tarkovski lo había planificado; por suerte, consiguieron la financiación y el tiempo suficiente para reconstruir la casa y volver a intentarlo. En este segunda ocasión, rodaron utilizando 3 cámaras simultáneas para evitar nuevos errores. A la segunda fue la vencida.

Sacrificio
Póster de Sacrificio

Uno de los nuestros (1990)

Martin Scorsese nos deslumbra con uno de los planos secuencia más famosos de la historia del cine. Acompañamos a Ray Liotta entrando en el Copacabana junto a su pareja. Scorsese claramente nos pone en el punto de vista de ésta, admirando la pleitesía con la que reciben a Liotta en el club. Plano de algo más de 2 minutos bastante complejo, ya que implica paso por pasillo estrecho, cocina repleta de extras (alguno se cruza apurando al límite el espacio entre los actores y la cámara) y llegada final al hall. Y todo ese camino sin interrumpir el diálogo entre los dos protagonistas. Planificación perfecta.

Uno de los nuestros
Póster de Uno de los nuestros

La hoguera de las vanidades (1990)

Brian De Palma es uno de los directores que más utilizan el recurso del plano secuencia, lo que le convierte en un auténtico maestro. De hecho, no será ésta su única aparición en esta lista. La secuencia inicial de La hoguera de las vanidades es un derroche de técnica y sincronización, ya que durante casi cinco minutos sin cortes recibimos en un garaje al famoso (y borracho) escritor interpretado por Bruce Willis. Después le acompañaremos en un pequeño viaje en carrito, dentro de una nube de periodistas (muy interesante observar la transición de la cámara en algún momento de la secuencia, pasando de un enfoque trasero a otro frontal de los personajes), esquivando cocineros y camareros, subiendo en un montacargas.. No me imagino mejor forma de presentar al personaje de Willis.

La hoguera de las vanidades
Póster de La hoguera de las vanidades

El juego de Hollywood (1992)

En El juego de Hollywood nos encontramos la típica secuencia inicial que trata de presentarnos a los personajes y escenarios que nos encontraremos durante el transcurso de la película. Muy bien planificado, recorriendo distancias relativamente grandes, y mostrándonos hechos que ocurren tanto en exteriores como interiores (en estos casos utilizando el recurso del zoom hacia las ventanas a través de las que vemos y oímos a los protagonistas). Son casi 8 minutos de plano (aunque con algún corte camuflado), y tengo que admitir que la primera vez que lo ví me recordó al de Sed de mal; de hecho, diría que es un homenaje a la pieza de referencia del plano secuencia, ya que incluso se hace mención a él de forma explícita (sobre el minuto 1:20)

El juego de Hollywood
Póster de El juego de Hollywood

Pulp Fiction (1994)

No podía faltar el maestro Tarantino en este ránking. Aunque tiene varios planos secuencia interesantes en su filmografía, me quedo con este magistral de su obra cumbre Pulp Fiction. Formalmente es sencillo, ya que seguimos la charla que tienen Samuel L. Jackson y John Travolta por el pasillo de un edificio cualquiera. Lo mejor es, sin duda, el desternillante diálogo (marca de la casa y auténtico factor diferencial de Tarantino) que se marcan ambos personajes sobre los masajes de pies. Audio imprescindible, please.

Pulp Fiction
Póster de Pulp Fiction

Snake eyes (1998)

Otro de mis favoritos. La película se inicia con más de diez minutos de plano secuencia (aunque nuevamente volvemos a encontrar alguna treta que demuestra que no son ininterrumpidos) donde Brian De Palma nos vuelve a demostrar que es un maestro en este tipo de planos. Aparte de estar excelentemente bien rodado (me encanta el momento en el que Nicholas Cage golpea a un secundario y la cámara hace el gesto de caerse al suelo, al igual que hace el personaje que recibe el golpe) y planificado, la gracia del plano secuencia está en que el resto de la película gira en torno a lo ocurrido en esos diez minutos, por lo que la información que se nos presenta al espectador en ese tiempo es primordial para el desarrollo del resto de la cinta.

Snake Eyes
Póster de Snake Eyes

Irreversible (2002)

En Irreversible, su director Gaspar Noé nos presenta una película con una estructura narrativa compleja (está contada hacia atrás, como hizo Christopher Nolan en su rompedora Memento 2 años antes), rodada con una sucesión de 13 planos secuencia. Hay algunos realmente duros e impactantes, como el primero, que incluye una violentísima agresión en la que un hombre es brutalmente golpeado en la cara con un extintor. Sin embargo, el más famoso de ellos es posiblemente el más sencillo técnicamente hablando, pero que generó una potente polémica tras su estreno: una salvaje violación. El personaje que interpreta Monica Belucci accede a un túnel subterráneo donde es interceptada por un desconocido. La cámara se sitúa en el suelo y graba de forma íntegra los casi 10 interminables minutos que dura la agresión, tras la que la mujer queda en coma. Advierto que la escena es bastante dura. Excelente película.

Irreversible
Póster de Irreversible

Old Boy (2003)

El visionado de Old Boy trajo consigo una ligera decepción, ya que la película proclamada por muchos como obra maestra me pareció un mero entretenimiento más. Después caí en la cuenta de que verla en su versión doblada pudo ser un pecado imperdonable por mi parte, ya que el cine coreano, no sé muy bien por qué, suele estar lamentablemente doblado (y por desgracia Old Boy no es una excepción). Sin embargo, hay que admitir que la escena que traigo a continuación es muy llamativa, no por ser un prodigio en cuanto al manejo de la cámara (es un simple travelling  horizontal a lo largo de un pasillo) sino por la coreografía de los extras, la iluminación sórdida, y en definitiva, la original forma que elige el director para rodar una lucha entre el protagonista y decenas de enemigos.

Old Boy
Póster de Old Boy

Hijos de los hombres (2006)

Me veo obligado a hacer un apartado especial con la película Hijos de los hombres. La cinta está rodado con planos en general bastante largos, algunos de ellos de increíble mérito. No he podido evitar la tentación de destacar 3 de ellos.

Siguiendo un orden cronológico dentro de la película, el primer plano secuencia a destacar ocurre en el interior de un coche, cuando los protagonistas caen en una emboscada. Atención a los elementos que nos encontramos: la cámara moviéndose dentro de un coche ocupado por 5 personas, ocupando los asientos de algunas de ellas en diferentes momentos de la secuencia; una marabunta de gente en el exterior del coche, persiguiéndolo; disparos, explosiones, sangre. A disfrutarla:

Hijos de los hombres
Póster de Hijos de los Hombres

¿Cómo se pudo rodar esta escena? ¿Cómo puede ocupar la cámara en algunos momentos el lugar de cada uno de los pasajeros? Aquí se puede ver cómo fue posible:

El segundo plano secuencia memorable es el del parto. Todos hemos visto alumbramientos en el cine mejor o peor conseguidos, pero estoy seguro de que no se ha hecho nada igual en la hisoria del celuloide. Es una toma de unos 3 minutos, con el añadido de la hiptónica fuente de luz utilizada en la escena:

Hijos de los hombres
Póster de Hijos de los Hombres

El último que quiero destacar, ocurre casi al final de la película. Acompañamos al protagonista en medio de una auténtica batalla en campo abierto:

Hijos de los hombres
Póster de Hijos de los Hombres

El tándem mejicano formado por Alfonso Cuarón (director) y Emmanuel Lubezki (director de fotografía) mostraba sus dotes de maestros del cine con esta cinta. Ambos recibieron sendas nominaciones a los Oscar por Hijos de los hombres (Cuarón a Mejor guión adaptado y Mejor montaje, Lubezki a Mejor fotografía), y abrieron el camino para conseguir 7 años después, con Gravity, los Oscar a Mejor dirección y Mejor fotografía respectivamente.

Expiacion (2007)

La película Expiación no se encuentra, para mi gusto, entre las más destacadas de esta lista (a pesar de haber estado nominada a 7 Oscar en la edición de 2008, incluyendo el de Mejor Película). Sin embargo, es imposible no quedarse anonadado ante el plano secuencia de casi 6 minutos que nos presenta su director, Joe Wright. Nos encontramos en plena Segunda Guerra Mundial, en la playa francesa de Dunkerque; el ejército inglés espera para ser evacuado al haberse retirado por la invasión de la Alemania de Hitler sobre Francia. Aprovecho para recomendarte nuestro análisis especial sobre Hitler y el cine:

Adolf Hitler. Biografía audiovisual

 

El protagonista de la cinta (James McAvoy) accede a la playa junto a dos compañeros, acompañándole la cámara en su mirada ante miles de hombres abatidos por la derrota, aunque esperanzados en que la ayuda llegue más pronto que tarde. Espectacular plano secuencia, rodado en exteriores, con cientos de extras, y con un estratosférico decorado (barcos, tiovivo, noria, vehículos de combate, humo…). Como curiosidad, nos encontramos ante lo que podríamos llamar un plano secuencia circular, tanto por el camino que traza la cámara, como por otros elementos más sutiles (por ejemplo, los 3 protagonistas entran juntos a la playa, poco a poco se separan, y al final vuelven a unirse).

Expiación
Póster de Expiación

El secreto de sus ojos (2009)

El plano secuencia de El secreto de sus ojos es uno de mis favoritos, ya que es sencillamente espectacular, y diría que casi único. La secuencia comienza con una toma aérea (desde un helicóptero seguramente) en las cercanías de un campo de fútbol. La cámara se acerca al estadio, siguiendo el detalle de una jugada de ataque de uno de los equipos participantes, que termina en oportunidad de gol. Ese momento es aprovechado por la cámara para acercarse a uno de los fondos y poner el foco en Ricardo Darín, que está buscando a un sospechoso en medio de la multitud. Aunque la transición entre la cámara del helicóptero y la cámara en tierra está hecha con truco y por tanto no es una toma contínua real, está muy bien hecha, y a partir de aquí si nos encontramos con una toma sin cortes (al menos yo no los aprecio) de más de 4 minutos en los que seguiremos la persecución del sospechoso por las entrañas del estadio, incluyendo subidas y bajadas de escaleras, golpes, y saltos de varios metros de altura.

El secreto de sus ojos
Póster de El secreto de sus ojos

Secuestrados (2010)

No me habría perdonado excluir la película española Secuestrados de este ranking. Su director, Miguel Ángel Vivas, utiliza de manera muy inteligente la técnica del plano secuencia para meternos de lleno en la angustia que sufre una familia que, tras mudarse a su nueva y flamante casa, sufre un secuestro express. La película está rodada exclusivamente con tomas largas (hay una decena), por lo que teniendo en cuenta que gran parte del metraje ocurre dentro de la casa, Vivas logra que nos sintamos como un miembro más de la angustiada familia. He decidido destacar el segundo plano de la película, ya que nos sirve como presentación de los miembros de la familia y de la casa, que terminará siendo un personaje más.

Secuestrados
Póster de Secuestrados

Gravity (2013)

Como ya destacamos cuando hablamos de las bondades de Hijos de los hombres, Alfonso Cuarón y Emmanuel Lubezki vuelven a unir sus fuerzas en Gravity, la epopeya espacial protagonizada por una Sandra Bullock que trata desesperadamente de sobrevivir en el espacio tras un accidente. Cuarón vuelve a apostar por tomas largas para rodar la película, encontrándonos con una fascinante secuencia inicial de alrededor de 13 minutos que quita el hipo. Debido al uso masivo de efectos especiales y técnicas digitales (estaba claro que no iban a ir al espacio a rodar, así que debían recrearlo todo tirando mucho de ordenador) estoy seguro de que este plano no se rodó de una sola vez, y por tanto debe contener cortes inapreciables para el espectador, lo que no le resta ni un ápice de mérito y espectacularidad.

Gravity
Póster de Grtavity

True detective (serie, 2014)

Todo el mundo coincide en que nos encontramos inmersos en la época dorada de las series de TV. En la última década se están realizando series con apariencia y presupuesto de cine, así que no es de extrañar que en esta lista de planos secuencia más destacados aparezcan algunas series. En este caso, en la primera temporada de True Detective nos encontramos con un plano secuencia de casi 8 minutos (aunque tiene un par de trucos durante la secuencia, como cuando la cámara enfoca a un helicóptero, o cuando se acerca a alguna pared, momentos en los que se aprovecha para hacer un montaje imperceptible; mi sensación es que realmente está rodado en 3 o 4 tomas) bastante complejo, ya que implica entradas y salidas de casas, forcejeos, golpes y disparos.

True detective
Póster de True detective

Fargo (serie, 2014)

Repetimos con el mundo de las series. La primera temporada de Fargo supuso, en mi opinión, lo mejor en el mundo de las series de 2014. Ya era fan de la película de los Coen de similar título, pero con la serie han logrado superar incluso al original. El plano secuencia que destaco a continuación me enamoró: no es técnicamente complejo, dura 2 minutos, pero no se me ocurre forma más original de resolver un tiroteo dentro de un edificio. Imprescindible verlo con el audio activado para disfrutarlo en todo su esplendor.

Fargo (serie)
Póster de Fargo (serie)

Películas en un solo plano secuencia (real o ficticio)

A continuación listamos, a modo de simple curiosidad, algunas películas que se presentan al espectador en formato de un solo plano secuencia. En algunos casos será un simple truco ya que la cinta se habrá rodado en diferentes planos, y gracias a un montaje inteligente, se impregnará apariencia de continuidad; en otros sin embargo, se ha conseguido la proeza de rodar la película completa en un único plano.

La soga (1948)

Nos encontramos en La soga con un caso peculiar. Película rodada en 1948, es la primera obra en color de Alfred Hitchcock. Está basada en una obra de teatro de 1929 del mismo nombre, por lo que Hitchcock quiso mantener ese tono teatral rodando la cinta en un sólo plano secuencia. En aquellos tiempos era físicamente imposible conseguir tal hazaña, ya que los rollos de película que almacenaban las cámaras de la época sólo podían contener unos 10 minutos de metraje; por ello, el director inglés optó por apurar al máximo cada rollo, y rodar sucesivos planos secuencia de esa duración aproximada, uniéndolos después para dar apariencia de continuidad utilizando los clásicos trucos de enfocar zonas oscuras para realizar el montaje.

Timecode (2000)

En Timecode, el rizo es rizado hasta límites insospechados, ya que no es simplemente una película rodada en un solo plano secuencia sin cortes…  es que vemos cuatro planos secuencia superpuestos! La pantalla se encuentra dividida en todo momento en cuatro partes iguales; en cada una de ellas, vamos a ver un plano continuo de cada pata de la historia. Existe perfecta sincronía temporal entre las tomas: todas ocurren al mismo tiempo, pero en distintos espacios, aunque muy próximos entre sí, ya que hay veces que vemos a alguno de los actores saliendo de una y entrando a otra. A destacar el tratamiento que le dan al sonido, ya que sería una locura para el espectador escuchar 4 conversaciones a la vez (ya es difícil seguir cuatro secuencias a la vez…), por lo que en cada momento sólo escucharemos el diálogo más relevante para la historia, quedando los otros tres silenciados. Cine que yo catalogaría de experimental, aunque bien es cierto que podemos encontrar a actores de renombre comercial como Salma Hayek, Stellan Skarsgard ó Holly Hunter.

La idea no es 100% original, ya que en 1976 el director polaco Zbigniew Rybczynski creó un corto de unos 10 minutos de duración en la que se contaba una sencilla historia, utilizando esta vez 9 (!!!) planos a la vez. Es éste:

El arca rusa (2002)

Hasta donde yo sé, El arca rusa es la primera película en la historia rodada en un único plano sin ningún tipo de edición. Gran mérito del operador de cámara, que es capaz de recorrer 33 estancias del Museo del Hermitage de San Petersburgo durante los 90 minutos de metraje, cargando con una Steadicam. Cerca de 2000 extras se necesitaron para dar vida al Palacio de Invierno durante los casi 3 siglos que recorre la película. El clímax del film se alcanza con la recreación de último baile celebrado en el Palacio, en 1913, justo antes de la revolución rusa, la cual provocaría la caída de los zares. No es la primera vez que en este blog hablamos de estos eventos, ya que en el post de las imposturas más famosas de la historia y su tratamiento en el cine, destacamos el caso de Anna Anderson, una de las muchas mujeres que durante el siglo XX se hicieron pasar por Anastasia, la hija menor del último Zar de Rusia. Puedes verlo aquí:

Imposturas de pelicula: impostores en el cine y la television

 

Como curiosidad, destacar que la película se rodó precisamente en el lugar en el que se sitúa la historia (Museo del Hermitage, antiguo Palacio de Invierno, residencia de los zares de Rusia) en un sólo día, ya que no podía estar cerrado más tiempo, por lo que los ensayos se hicieron durante meses en un lugar diferente al de rodaje.

Birdman (2014)

Birdman fue la gran triunfadora de la gala de los Premios Oscar de la edición de 2015, ganando los premios a Mejor Película, Mejor Dirección (Alejandro González Iñárritu), Mejor Guión Original y Mejor Fotografía (Emmanuel Lubezki, del que ya hemos hablado en los casos de Hijos de los hombres y Gravity). La película está presentada (que no rodada) como un único y espectacular plano continuo sin cortes. Aunque muchos criticaron que este hecho no fue más que un vacío ejercicio de estilo de Iñárritu, yo no puedo estar más en desacuerdo, ya que la cinta es un claro ejemplo de meta-cine-teatro, ya que nos detalla la preparación de una obra de teatro. El director mejicano decide romper la estructura no lineal y fragmentada que ha dominado en el resto de su filmografía (Amores perros, 21 gramos y Babel, con la excepción de Biutiful) para contar una historia de teatro de la forma más teatral que existe: el plano secuencia.

Victoria (2015)

Victoria es una película alemana estrenada recientemente, que vuelve a conseguir lo que parece imposible: filmar con una sola toma más de dos horas de metraje, esta vez situado en una madrugada cualquiera en la ciudad de Berlín. Impresionante mérito, no sólo por el heroico operador de cámara (como homenaje, aparece el primero en los títulos de crédito del final), sino también por el director, los responsables de fotografía, y los actores, que tiran mucho de improvisación, lo que repercute en una gran naturalidad en sus actuaciones. Tanto es así que la protagonista, la española Laia Costa, está consiguiendo un gran número de premios internacionales por su portentoso trabajo.

Conclusión

Hemos visto qúe es un plano secuencia y para qué se utiliza. También hemos repasado la evolución tecnológica que ha permitido ampliar la movilidad de la cámara, desde la simple panorámica hasta la sofisticada Steadicam, ofreciendo posibilidades casi infinitas en el campo del plano secuencia. Hemos continuado repasando algunos de los planos secuencia más famosos de la historia del cine, para terminar con la curiosidad de repasar las cintas que han sido rodadas (o presentadas) como películas en un solo plano.